La danse comme outil : danser le mot, écrire le mouvement ARTA Paris

Sinopsis

Dirigé par Cesc Gelabert Du 04/11/2019 au 22/11/2019 Stage conventionné AFDAS

Dirigé par Cesc Gelabert

Du 04/11/2019 au 22/11/2019

Stage conventionné AFDAS

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L’objectif et le sujet du stage

Après plusieurs années en tant que danseur et chorégraphe dans tout genre de manifestations scéniques je trouve essentiel que nous puissions nous transformer en instruments uniques, subtils, adaptables, disponibles et résistants.

Au fond, le stage est sur la transmission d’une expérience.

Le stage s’articule autour de deux axes ou terrains de travail. Parfois d’une manière précise et parfois en utilisant des techniques d’improvisation:

1 – Travailler sur le mouvement en intégrant les différents niveaux ou éléments qui nous constituent en tant que personnes. Essentiellement le corps, les émotions, la perception de l’extérieur vers nous mêmes, la pensée et l’esprit.

Avoir ces éléments présents simultanément, même si c’est en différentes proportions, pour les utiliser de façon positive, saine, expressive et sage.

Le corps, entendu comme notre corps, celui que nous percevons, celui dont nous pouvons nous servir.
Les émotions, en tant que résultat de notre expérience au monde, que nous ne pouvons pas prédéterminer mais qui sont le moteur de l’action.
La perception comme ce que nous percevons en tant qu’étranger, tout ce que perçoivent nos sens y compris les autres, ou encore la musique, la scénographie, tout ce qui nous entoure et nous soutient.
La pensée entendue comme l’ensemble de nos fonctions mentales: la mémoire, l’imagination, les concepts, la concentration, la conscience, la culture.
L’esprit entendu comme la sensation interne, la motivation, l’âme de l’acteur.

2 – Dans une structure triple: la chorégraphie ou la façon dont nous nous organisons, l’interprétation ou la façon personnelle de se servir de la chorégraphie et de contribuer à la même, et enfin l’exécution du mouvement, to perform, danser ou jouer en soi.

Pour le dire en termes de cuisine sérieuse : la recette, la façon personnelle de la préparer et l’acte de cuisiner ou de préparer un aliment et le manger.

Les créer, s’en servir, les partager, les montrer, les comprendre.

La chorégraphie ou l’exercice, que nous pouvons appeler aussi le texte et la mise en scène, la recette, le pacte, l’accord qui nous permet de nous organiser et créer, partager l’art, faire la cuisine et manger.
L’interprétation ou la façon personnelle de comprendre une proposition chorégraphique, la recette particulière de chaque plat, est aussi un pacte, quelque chose élaboré en équipe, et non pas un hasard.
L’exécution ou l’acte en soi de danser ou de jouer dans la chorégraphie et l’interprétation. C’est à vrai dire ce qui compte après tout, la seule chose que perçoive le spectateur.

Programme – Organisation du stage

Dans un contexte culturel où nous pouvons tout transformer en art, mais où il n’est pas facile de se mettre d’accord sur ce que c’est l’art pour chacun de nous, je propose ce stage comme un lieu d’échange. Ma fonction est celle de proposer des exercices et des concepts sur lesquels travailler, tout en restant ouvert à la participation et à l’accord avec les participants. Nous échangerons des idées selon notre héritage culturel.

Je me sers des idées que j’ai développé pour me confronter à la création de mouvement, comme une base sur laquelle travailler ensemble. Le stage commencera avec des exercices simples dont la complexité augmente progressivement. Ces exercices s’articulent autour du mouvement corporel et nous y ajouterons l’émotion, la perception, la pensée et le sentiment intime du mouvement.

Ces exercices seront parfois assez précis, mais dans la plupart des cas ils impliqueront un certain degré d’improvisation. Sans séparer chorégraphie et interprétation. À partir de l’expérience et de la personnalité des participants. Suivant les caractéristiques des participants j’aimerais introduire, à certaines occasions la voix et la parole.

La puissance du mouvement dépend des émotions et des esprits qui l’habitent. Pour bien danser nous devons être pleins de mots, mais le spectateur n’entend pas, car ces mots sont voilés par le corps. C’est une vertu et un problème puisque les mots sont précis, signifiants et, parfois, traitres.

L’acteur sera un danseur duquel nous entendons quelques mots dont il est plein,et à lesquelles il doit être capable de donner une forme et un sens. En particulier nous ferons référence à un de mes derniers solos « écrit dans l’air » créée en 2016 sur des textes de Valère Novarina, avec la direction de scène de Moises Maicas.

Au fur et à mesure que nous partagerons des mécanismes, des façons de faire, nous ouvrirons des lignes de développement individuelles, d’une façon à ce que chaque participant ou groupe de participants puisse créer selon ses propres domaines d’intérêt, des chorégraphies ou des fragments. Nous les partagerons et nous en servirons comme une base sur laquelle continuer à travailler sur l’interprétation et sur l’exécution.

Il y aura une première séance de deux heures et demi, une pause pour manger et ensuite une deuxième séance de trois heures et demi. Le temps peut s’organiser comme suit : de 10h à 12h30 et de 13h30 à 18h.

Dans la première partie nous commencerons, avec une courte explication des caractéristiques du travail à réaliser et, ensuite, nous réaliserons un échauffement, ou développement technique afin de partager des mécanismes.

Lors de la deuxième partie nous ouvrirons la place à la chorégraphie, à l’interprétation et au travail plus individuel selon le parcours professionnel de chacun ou en groupe, afin de collaborer et de développer et pratiquer des idées entre tous.

Cesc Gelabert